Runberg & Martin: Weiße Felder [zuletzt gelesen #067]

weisse_felderWer kennt das nicht? Man hat sich ein Projekt vorgenommen, kommt aber nicht wirklich voran. Egal, was man unternimmt, es ist wie blockiert. Doch was passiert, wenn aus der Blockade eine ausgewachsene Schaffenskrise wird? Wenn es kein kleines Projekt, sondern im Grunde hakt und alles in Frage gestellt ist? Cases Blanches (Bamboo Édition) von Sylvain Runberg und Olivier Martin beleuchtet diese Frage im Kontext eines Comiczeichners, der einfach nicht über die erste Seite eines neuen Bandes hinauskommt. Die Graphic Novel ist 2015 beim Splitter Verlag auf Deutsch unter dem Titel Weiße Felder erschienen.

Wenn der Erfolg drückt

Eigentlich kann sich Vincent Marbier überhaupt nicht beklagen: Nachdem er jahrelang nur Durchschnittsserien gezeichnet hatte, konnte er mit seinem Fantasy-Auftaktband „Der Pfad der Schatten“ einen Sensationserfolg verbuchen. Der Autor, sein Verlag und die Fans drängen nun auf den Fortsetzungsband, aber Marbier hat gerade mal mit den ersten Panels begonnen und dabei rückt der Abgabetermin immer näher. Doch ihm scheint die Inspiration zu fehlen. Kürzlich hat er sich auch von seiner Frau scheiden lassen. Steckt er in einer vorübergehenden Schaffens- oder existenziellen Lebenskrise?

Runberg erzählt behutsam die Geschichte vom Scheitern. Dabei bleiben den Lesern die Gedanken des Protagonisten verwehrt, da Runberg auf einen Erzähltext verzichtet. So rätselt der Leser genauso wie die Freunde und Kollegen des Protagonisten, was mit diesem los ist. Das besondere an Weiße Felder ist der Realismus, der keine Stilisierung des Protagonisten oder stereotypische Erfolgsgeschichte zulässt, sondern das Thema „Scheitern“ ernst nimmt und von verschiedenen Seiten durchdringt. Die künstlerische Angst vor den titelgebenden „Feldern“ wächst zu einer Sinnkrise heran. Im Anschluss an die Geschichte hat Runberg ein Interview mit den beiden Autoren von „Der Pfad der Schatten“ verfasst.

Hauchzarte Farben contra weiße Felder

Martin illustriert die Geschichte in nur minimal kolorierten Bildern. Hauchzart deuten sich hier und da Farbtöne an, die dezent Akzente setzen. Der detaillierte Zeichenstil erscheint leicht skizzenhaft und minimal stilisiert. Die freien Flächen sind entweder weiß oder nuanciert aquarelliert. Durch die leeren Flächen gibt es einen starken Kontrast (vielleicht ja auch bewusst ein Kontrast „weiße Felder“ und „zarte Farben“?). Die gefälligen Bilder spenden insgesamt eine dichte Atmosphäre und illustrieren stimmungsvoll die Geschichte.

Weiße Felder ist ein gelunges Künstlerdrama mit einem interessanten Einblick in die Mechanismen der Comicindustrie und einem tiefgehenden Eindruck in die Zeichnerseele. Garantiert nicht nur für Comicnerds, sondern auch für Liebhaber von Gegenwartsdramen im Allgemeinen eine interessante Leseempfehlung. Wie viel Autobiographisches uns dabei Runberg offenbart, bleibt dessen Geheimnis (aus der Graphic Novel geht jedenfalls nichts hervor). Beim Verlag gibt es weitere Infos und eine Leseprobe.

Dufaux & Jérémy: Barracuda 5 – Kannibalen [zuletzt gelesen #066]

U_3863_1A_ECC_BARRACUDA_05.IND8Das Piratengenre feiert ein Revival – und das ist gut so. Wobei die Seeräuber und Rum trinkenden Schatzsucher im Comicbereich nie wirklich weg waren. Mit Barracuda (Dargaud) machen Jean Dufaux und Jérémy eine Serie (sechs Bände sind geplant, aber da wäre ich vorsichtig, bei Dufaux kann es mitunter auch mehr werden), die das Genre nicht grundlegend erweitert (auch hier geht es um einen Schatz), aber resolut und mit interessanten Figuren umsetzt. Dufaux hat sich als Meister von Abenteuerserien vor historischen Kulissen erwiesen: Serien wie Murena oder Giacomo C. zählen zum besten, was der Belgier gemacht hat. Erfreulicherweise verzichtet er in Barracuda auf phantastische Elemente (wie im schwächeren Conquistador), es gibt nur wenige magische Elemente. Nun hat die Egmont Comic Collection den fünften Band unter dem Titel „Kannibalen“ auf Deutsch veröffentlicht.

Wenn sich Schicksale und Säbel kreuzen

17. Jahrhundert: Raffy (Sohn des Piraten Blackdog) ist in den Händen der Spanier, nachdem diese Puerto Blanco erfolgreich eingenommen haben und die wollen den Ehebrecher am liebsten massakrieren. Seine Herzensdame Maria del Scuebo und Jean Forehand, die den Roten Falken zu Hilfe ruft, wollen ihn mit den verbliebenen Freunden befreien. Auch Blackdog befindet sich in Gefangenschaft: die kannibalistischen Moori verlangen (wie alle anderen auch) den Diamenten von Kashar. Gibt Blackdog seinen Schatz Preis, um seinen Sohn zu retten und seine Freiheit zu erkaufen? Was hat es mit dem Roten Falken auf sich?

Auch im fünften Band spielt sich alles hauptsächlich auf der Insel ab. Dennoch gibt es einige typische Piratenmomente. Die „Barracuda“ bekommt einen Kurzeinsatz und die Freibeuter kämpfen vereint gegen die Spanier. Die Ereignisse spitzen sich jetzt drastisch zu (Dufaux hat alle Fäden fest in der Hand), so dass im abschließenden sechsten Band das endgültige Finale kommen darf. Der Belgier erzählt sehr rasant (wenig dialogreiche Szenen) und verwendet einen (sparsam eingesetzten) Erzähler. Er wechselt dabei immer wieder die Handlungsebenen und Schauplätze und schafft es, das große Figurenensemble mit Überblick einzusetzen.

Kraftvolle und intensive Bilder

Jérémys Illustrationen bestechen aufgrund intensiver Farben durch eine greifbare Unmittelbarkeit. Seine Zeichnungen sind eindrucksvoll, weil er einen individuellen Strich führt und kraftvolle Bilder schafft, egal ob historische Kleidung, Waffen, Schiffe oder Gebäude, Figuren, Kampfszenen oder ruhige Szenen. Sein großes Vorbild könnte der verstorbene Comiczeichner Philippe Delaby gewesen sein (mit dem Dufaux in Murena und Ritter des verlorenen Landes zusammengearbeitet hat). Das besondere an Jérémys Bildern ist die dichte Atmosphäre, die zwischen Realismus und magischer Entrücktheit oszilliert. Man spürt förmlich den Urwald auf der Insel, das plätschernde Meer und die Energie, die von den Protagonisten ausgeht (dabei ist Jérémy noch ein blutiger Anfänger).

In Barracuda 5 spitzen sich die Handlungen zu, die Spannung erreicht einen vorläufigen Höhepunkt. Dufaux und Jérémy haben alles fest im Griff und bescheren dem Leser beste Piratenkost mit viel Gewalt, interessanten Charakteren und einem magischen Schatz. Was mir auch sehr gut gefallen hat, war das graue Vorsatzpapier, das mit einer Kampfszene (man sieht die Kannibalen-Horde) illustriert ist. Mehr Infos zur Serie gibt es auf der Verlagsseite.

Charles Burns: Zuckerschädel [zuletzt gelesen #065]

9783956400346Es gibt Stories (egal ob Comic, Literatur oder Film), die sind glasklar erzählt und leicht verständlich. Alles, was dargestellt wird, bedeutet genau das und sonst nichts anderes. Die Handlung ist linear und es gibt keine weiteren Bedeutungsebenen. Dann gibt es Stories, die sind genau das Gegenteil: symbolisch aufgeladen, bedeutungsschwanger, verstörend – kurzum: interpretationsbedürftig. Sugar Skull (Pantheon Books) von Charles Burns zählt zu diesen Werken. Auf Deutsch ist die Graphic Novel unter dem Titel Zuckerschädel bei Reprodukt erschienen. Sie schließt eine Mystery-Trilogie ab, die mit X’ed Out (dt. X) begann und mit The Hive (dt. Die Kolonie) fortgesetzt wurde und eine bizarre Achterbahnfahrt zwischen Realität und Fiktion darstellt.

David Lynch in der Interzone

Doug (Fotograf und Beat-Poet) ist inzwischen gealtert und nicht mehr mit Sarah zusammen. Er wirkt immer noch sensibel und unsicher, hat mit Sally jedoch eine verständnisvolle Freundin und ist clean. Dennoch kommt er nicht ganz von Sarah los. Vor allem ein Konzertbesuch schleudert ihn wieder in vergangene Zeiten zurück. Auch seine Alpträume von seinem toten Vater suchen in noch heim. In einer grotesken Parallelwelt voller Echsenmenschen und mysteröser Eier spitzen sich die Ereignisse um Dougs Alter Ego Johnny indes zu.

Was soll diese verstörende Parallelwelt, deren Vorbild die Interzone aus William S.Burroughs Cut-Up-Kultroman Naked Lunch sein könnte (in beiden Fällen gibt es Echsenwesen und verschiedene Realitätsebenen). Ist sie eine parabelhafte Realitätsebene, um Dougs Gefühlswelt in der Wirklichkeit zu spiegeln? Ist sie eine drogeninduzierte Halluzination? Oder ist sie die eigentliche Realität und die Wirklichkeit nur Traum? In Zuckerschädel gibt Burns schließlich die Antwort auf diese Fragen, indem sich die Ebenen inhaltlich überlappen (oder doch nicht?). Die Wirklichkeit erscheint indes beklemmend und bedrohlich, wie ein Film von David Lynch.

Burns erzählt seine kafkesk-groteske Trilogie sprunghaft, assoziativ und verschachtelt. Auch in Zuckerschädel verlaufen die Übergänge zwischen fiktiver Parallelwelt und Wirklichkeit fließend. Dazu kommen Traumsequenzen, Rückblicke und Comic-im-Comic-Sequenzen (Sarah liest Comicromanzen, die Ausdruck für ihre vernachlässigten Gefühle sind), die die Story zusätzlich komplexer gestalten. Im Gegensatz dazu stehen die klaren Zeichnungen und geordneten Panels, die für Ruhe und Übersicht sorgen.

Neo Noir meets ligne claire

Burns verwendet zwei verschiedene Zeichenstile für beide Realitätsebenen. Die Wirklichkeit ist in seinem typisch düsteren Neo-Noir-Strich mit flächigen Farben und hartem Kontrast bzw. dunklen Schatten gezeichnet, wohingegen er die Parallelwelt im reduzierten ligne-claire-Strich zeichnet. Es ist keine bloße Anlehnung, sondern ein bewusstes Zitat, da Johnny tatsächlich stark an Tintin von Hergé erinnert (in der Wirklichkeit trägt Doug ein T-Shirt mit einem ikonisierten Tintin-Emblem). Die Parallelwelt wirkt karg und (aufgrund antinaturalistischer Farben) bizarr, wohingegen die Realität stilisiert und düster erscheint. Alleine das Artwork hat seine ganz eigene Sogkraft, die sich mit dem narrativen Strudel multipliziert.

Mit Zuckerschädel bietet Burns genug Antworten auf die Fragen, die er in den ersten Bänden aufgeworfen hat, um seine Leser zufriedenzustellen. Dennoch bleibt noch ein kleiner Interpretationsspielraum für jene, die gerne über Sinn und Unsinn grübeln. Insgesamt ist es eine hypnotisierende Trilogie aus einem Guss, die das Genre und das Medium erneuert. Sicherlich nichts für schwache Nerven oder Freunde von linearen Geschichten. Auf der Verlagsseite gibt es eine Leseprobe.

Lorenz & Kreitz: Rohrkrepierer [zuletzt gelesen #064]

9783551783783Herbertstraße, Tauschwirtschaft, vaterlose Familien, Großmütter mit Feldstecher, Prinz Eisenherz und Catcher… Das St. Pauli der Nachkriegsjahre hat viele Gesichter, zumindest in der Graphic Novel Rohrkrepierer (Carlsen) von Isabel Kreitz. Die deutsche Comiczeichnerin hat für diese Milieustudie den gleichnamigen autobiographischen Roman von Konrad Lorenz adaptiert. Kreitz ist ja bereits eine (prämierte) Expertin, was historische Stoffe angeht. Die Sache mit Sorge ist ein ausgefeilter Spionage-Thriller, der während des Zweiten Weltkriegs spielt, Haarman (mit Peer Meter) eine geniale Studie eines historischen deutschen Serienmörders. Darüber hinaus hat sie Erich Kästners Pünktchen und Anton, Emil und die Detektive und Der 35. Mai als Comics adaptiert. In Rohrkrepierer entsteht ein Gesellschaftsbild zwischen Kleinbürgertum und Großstadtleben.

Sittengemälde und Coming-Of-Age

Rohrkrepierer ist nicht nur eine historische Mileu-Studie der Hamburger Nachkriegsjahre, sondern in erster Linie ein Coming-Of-Age-Drama über Kalle, den der Leser von der Schulzeit bis zur Wehrdienstzeit (die als Matrose umgeht) begleitet. Als Schüler lernt Kalle zum ersten Mal seinen Vater kennen, der als amerikanischer Kriegsgefangener heimkehrt. Als Teenager dreht sich alles um Ausgehen, die erste Liebe und sexuelle Erfahrungen („Rohrkrepierer“). Kalle ist ein sensibler wie lebensfroher Junge, der viele Achterbahnfahrten erlebt und mit seinen Erfahrungen reift.

Kreitz adaptiert den Roman ohne Erzähltext. In dialogreichen Szenen taucht der Leser in die völlig eigentümliche Welt von St. Pauli ein, in der der von der Damenwelt begehrte Arzt seine Hausbesuche macht, die Großmutter mit dem Feldstecher alles im Blick behält und gewissenhaft notiert, der Viertel-Schläger Ratten im Rohr fängt und dann gegen die Wand wirft („Rohrkrepierer“), Zigaretten als Zahlungsmittel fungieren und die Schüler das Catch-Turnier sehen wollen und um Prinz Eisenherz-Comics wetten. Es gibt insgesamt drei größere Lebensabschnitte Kalles und diese sind teils mit Sprüngen und verschiedenen Handlungsebenen versehen. Das macht die Erzählung vielschichtig und anspruchsvoll.

Parallelen zu Kästners Kinderbücher liegen nahe. Einige Dialoge weisen zudem Hamburger Dialekt auf und es wird gesungen. Das macht die Geschichte authentisch und lebendig, erfordert aber auch die Mitarbeit des Lesers, denn der Dialekt ist nicht immer einfach zu verstehen. Auch das große Figurenensemble und die wechselnden Handlungsebenen erfordern hohe Konzentration, um den Überblick zu bewahren, so dass sich die Graphic Novel nicht als Lektüre für Zwischendurch anbietet. Positiv formuliert: Die Graphic Novel besitzt alle Qualitäten eines historischen Romans.

Historische Lebendigkeit und dichte Atmosphäre

Auch die (ausgefeilte) Zeichenkunst Kreitz‘ erfordert die vollständige Aufmerksamkeit des (geneigten) Lesers. Die detailreichen und gut recherchierten Schwarzweißzeichnungen bestechen durch einen individuellen Strich. Die Bleistiftzeichnungen sind aufgrund von Schraffuren und Grauflächen nuanciert und nicht kontrastreich. Das historische St. Pauli-Viertel erscheint getreu und lebendig. Die Darstellung von Mode, Mobiliar, Kleidung und Straßenansichten beeindrucken durch Glaubwürdigkeit und Finesse. Bei den Figuren hatte ich manchmal das Problem, die Gesichter sofort richtig zuzuordnen, aber das liegt an der Detailfülle der Illustrationen.

Rohrkrepierer ist zugleich ausgefeilt illustrierte Comicliteratur, abwechslungsreiches Coming-of-Age-Drama und lebendiges Sittengemälde. Von Beginn an erzeugt Kreitz eine starke Sogwirkung, die den Leser tief in die verganene Zeit eintauchen lässt. Es macht sehr viel Spaß, dem Protagonisten beim Älterwerden und Heranreifen zuzusehen und die Eigentümlichkeiten des Hamburger Stadviertels kennenzulernen. Die Lektüre erfordert aufgrund der detaillierten Zeichnungen und anspruchsvollen Erzählweise jedoch auch die volle Aufmerksamkeit des Lesers. Auf der Verlagsseite gibt es alle Infos zur Graphic Novel.

Christin & Juillard: Lena und die drei Frauen [zuletzt gelesen #063]

I3567m Paradies warten die Jungfrauen – das wird islamistischen Selbstmordattentätern gemeinhin versprochen. Doch was ist, wenn es Attentäterinnen sind, die (sich) für den Dschihad töten? Dieser Frage gehen Pierre Christin und André Juillard in Lena et les trois femmes (Dargaud; dt. Lena und die drei Frauen; Salleck Publications) nach. Wer Christin kennt, weiß, dass er ein Faible für politisch brisante und zeitgemäße Themen hat (man denke an seine Politfiktionen mit Enki Bilal aus den 1980er Jahren). Das Album ist keine direkte Fortsetzung von Le long voyage de Léna (Dargaud; dt. Lenas Reise; Carlsen/Salleck Publications), denn dieser Band war in sich abgeschlossen, jedoch erlebt die Titelheldin ein neues Abenteuer, wobei das Album problemlos als eigenständiges Werk gelesen werden kann (deshalb ist das Album auch nicht als Serie durchnummeriert).

From Outback to Paris

Lena ist eine Ex-Geheimagentin, die (nach den Ereignissen von Le long voyage de Léna) ein neues Leben in Australien begonnen hat. Doch dann unterbricht der französische Geheimagent Paul-Marie de Calluire ihre Wüstenrunden, die offenbaren, dass sie vielleicht doch nicht ganz zufrieden ist, mit ihrem Neuanfang. Lena soll noch einmal eine geheime Mission übernehmen, um einen Terroranschlag in Paris zu vereiteln. Gibt sie ihre neue Familie auf? Ist sie bereit, sich in ein Terrornetzwerk einschleusen zu lassen?

Christin und Juillard schildern unaufgeregt, aber (äußerst) stilvoll vom islamistischen Terror. Dabei stehen die Rekrutierung und Ausbildung von Attentätern im Mittelpunkt, was mit einer dokumentarischen Nüchternheit, aber nicht ohne Spannung inszeniert wird. In spröden (vollkommen positiv gemeint), realistischen Sequenzen begleitet der Leser die Titelheldin dabei, wie sie zunächst gebrieft wird und danch bei unspektakulären Wartezeiten oder schweißtreibenden Übungen im Terrorlager teilnimmt.

Die Geschichte erzählt Christin aus der Sicht von Lena, die in prosaischen (und ausführlichen) Texten als Ich-Erzählerin fungiert, wodurch sich Lenas Gefühlsleben vor dem Leser in der Tiefe ausbreitet. Die Namen der titelgebenden drei Frauen bzw. Muslima haben symbolischen Charakter. Dass Halima („sanft, liebich“), Ahlem („Traum“) und Suad („Wohlergehen“) zu Märtyerinnen werden wollen, kann als Widerspruch gedeutet werden, der die Absurdität des Terrors spiegelt.

Stilvoller Polit-Thriller

Die Erzählweise Chrisins unterstreicht dabei perfekt die typischen Illustrationen Juillards. Er führt einen prägnanten, flächigen und spitzen Strich, der in der Tradition der ligne claire steht, die Juillard allerdings verfeinert und erweitert. Die Farben sind flächig, zurückhaltend und realistisch. Die Einstellungen zeigen das Geschehen mit einer eleganten Beiläufigkeit. Auf Effekte verzichtet der Meister. Dabei beherrscht er das Outback genauso stilsicher wie die zerklüftete Lagerlandschaft und die Metropole.

Lena et les trois femmes ist beste Comicunterhaltung aus der Feder zweier Meister, die der Titelheldin aus Le long voyage de Léna eine weitere Geschichte schenken. Ihr Polit-Thriller erscheint quasi-dokumentarisch als stilbewusste Studie des Terrorismus. Die Dialoge einzelner Terroristen ist dabei authentischen Äußerungen entlehnt. Wer sehr gut illustrierte Polit-Thriller mag, sollte sich das Album nicht entgehen lassen. Auf der Verlagsseite gibt es eine Leseprobe und Infos.

Patrice Pellerin: Der Schrei des Falken Gesamtausgabe 3 [zuletzt gelesen #062]

650-307508-20140620133755Exotische Schauplätze, spannende Schatzsuche, ausgefuchstes Katz-und-Maus-Spiel, historisch beeindruckende Bilder und finaler Showdown! Die historisiende Abenteuerserie L’Epervier (Dupuis) von Patrice Pellerin geht in die letzte Runde. Bei comicplus+ ist die Comicserie unter dem Titel Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe auf Deutsch in einer edlen Gesamtausgabe erschienen. In drei Bänden liegt der erste Zyklus der Serie vollständig vor (ursprünglich sechs Bände, ebenfalls comicplus+). Der dritte Band der Gesamtausgabe enthält die beiden Bände „Der Schatz am Mahury“ und „Die Tränen des Tlaloc“ sowie Bonusmaterial aus dem französischen Begleitband Archives secrètes.

Exotische Kulisse, historische Pracht und finaler Showdown

Nachdem das Abenteuer in der Bretagne begann und auf hoher See fortgesetzt wurde, landen die Protagonisten 1742 schließlich in Guyana. Yann de Kermeur („Der Falke“) hat die „Pomone“ gestohlen und verfolgt die „Medusa“, die (nachwievor) von den (immer noch) Niederträchtigen Marquis de la Motte und Hervé de Villeneuve gesteuert wird, um die Gräfin Agnès de Kermellec zu befreien und um wieder Herr über sein eigenes (königliches) Schiff zu sein. Doch zunächst holt ihn seine Vergangenheit (und die Intrige) auch in Übersee ein und er wird (wieder einmal) festgenommen und eingesperrt. Währendessen zwingen die Widersacher Kermeurs Mannschaft, gefährliche Tauchgänge in Tonnen durchzuführen, um den Schatz zu bergen. Kann der Falke seine (rechtmäßige) Unschuld beweisen? Die „Medusa“ (samt tapferer Crew) befreien? Und was ist mit dem Schatz (Aztekengold)?

Pellerin streift in dieser Gesamtausgabe nebenbei Themen wie Kolonialisierung und Sklaverei. Der Protagonist erhält dadurch zusätzliche Möglichkeiten zur Demonstration seiner Moralvorstellungen und etabliert sich noch klarer zum integren Helden. Er ist ganz der klassische Held in Reinform, ohne ambivalente Tendenzen und vielschichtige Facetten wie sie der (Anti-)Held der jüngeren Vergangenheit (in der Popkultur) besitzt. Umgekehrt sind die Schurken noch waschechte Schurken, ganz ohne nuancierte Zwischentöne, einfach unmoralisch (zumindest Villeneuve). Komplex sind nicht die Charaktere, sie sind mustergültige Schablonen, allerdings vor einer komplex erzählten und vielschichtig gespinnten Geschichte. Das (und die historische Genauigkeit) macht den Reiz von L’Epervier aus. Beim Frauenbild gibt es jedoch insofern eine Modernisierung, als dass die Gräfin selbstbewusst und mutig auftritt und sogar dem Chevalier das Leben retten darf.

Pellerin führt einen klaren Strich, der sich am Stil seines Vorbilds André Juillard orientiert. Mit einer unnachahmlichen Vorliebe für Details lässt er das 18. Jahrhundert (vor allem die Seefahrt) lebendig werden. Band drei der Gesamtausgabe enthält beeindruckende Bilder von Gebäuden (Kolonialstil), Waffen, Ausrüstung, Urwald, Kleidung und Schiffen. Genial ist beispielsweise auch eine Szene, in der sich Yann mit einem Kajak durch die Mangroven manövriert. Man spürt auf jeder Seite, dass Pellerin befreundete Historiker befragt hat und ausgiebig recherchiert hat. Dieser Umstand und die gewissenhafte Arbeitsweise (Pellerin schreibt, zeichnet und koloriert in Eigenregie!) entschuldigen auch die lange Veröffentlichungsdauer der Einzelbände (alle zwei Jahre erscheint ein neuer Band). In puncto Raumverständnis und Einstellung hat er sich zudem von Jean Giraud (und dessen an den Film angelegtes Panellayout) inspirieren lassen.

Klassiker des Abenteuercomics in edler Ausgabe

Die Aufmachung der Gesamtausgabe lässt keinen Wunsch offen. Der gebundene Band wird auf Vorder- und Rückseite mit Spotlack veredelt. Die wunderschöne Ausgabe wird durch ein leicht strukturiertes, griffiges Vorsatzpapier (hier Dunkelgrün) abgerundet. Das Bonusmaterial enthält einen Kurzcomic sowie illustrierte Erläuterungen über Yann als Korsar und bei Hofe. L’Epervier wurde übrigens gleichnamig verfilmt, nur leider (noch) nicht ins Deutsche synchronisiert.

Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe 3 begeistert durch eine spannende Zuspitzung aller vorangegangenen Ereignisse bis zum Finale. Ein erstklassiger Abschluss des ersten Zyklus‘ einer genialen Abenteuerserie. Es wäre mehr als begrüßenswert, wenn auch der zweite Zyklus (bisher zwei Bände) derart prachtvoll zugänglich wird. Auf der Verlagshomepage gibt es mehr Infos zur Gesamtausgabe und beim Comicvertrieb PPM gibt es Leseproben. Für mich ist L’Epervier ohnehin einer der besten Seefahrercomics.

Patrice Pellerin: Der Schrei des Falken Gesamtausgabe 2 [zuletzt gelesen #061]

650-307502Aufgeblähte Segel, steil aufragende Masten, Frauen im Korsett, Schergen mit Perücke und tapfere Narbengesichter. Die historisiende Abenteuerserie L’Epervier (Dupuis) von Patrice Pellerin geht weiter. Bei comicplus+ ist die Comicserie unter dem Titel Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe auf Deutsch in einer edlen Gesamtausgabe erschienen. In drei Bänden liegt der erste Zyklus der Serie vollständig vor (ursprünglich sechs Bände, ebenfalls comicplus+). Der zweite Band der Gesamtausgabe enthält die beiden Bände „Die Medusa läuft aus“ und „Verräter an Bord“ sowie Bonusmaterial u.a. aus dem französischen Begleitband Archives secrètes.

Seefahrt-Abenteuer – spannend erzählt und eindrucksvoll illustriert

Pellerin macht genau da weiter, wo er nach den ersten beiden Bänden aufgehört hatte. Bretagne im 18. Jahrhundert: de Kermeur alias „Der Falke“ wird wegen Mordes gesucht und will dennoch seine Crew befreien. Die Gräfin Agnès de Kermellec wurde von ihrem Cousin (Hervé de Villeneuve) niedergeschlagen und erinnert sich nicht mehr an die Vorkommnisse. Gemeinsam mit dem Marquis de la Motte und der „Medusa“ plant de Villeneuve sie in See zu stechen (in Richtung Guyana). Kann der „Falke“ seine (loyale und tapfere) Crew befreien? Schafft er es, wieder (rechtmäßiger) Herr über seine „Medusa“ zu werden? Was hat es mit dem (rätselhaften) Schatz auf sich? Erinnert sich die (hübsche) Gräfin wieder und entlarvt ihren (niederträchtigen) Cousin?

Pellerin erzählt seine fesselnde Geschichte dialogreich und erzähltextarm. Dadurch wirkt das Dargestellte sehr unmittelbar. Aufgrund mehrerer Handlungsebenen und eingebauter Rückblicke verwendet er zudem eine komplexe Erzählweise. Bei den Rückblicken rundet er seine Panels ab, wodurch diese visuell als solche erkennbar sind. Durch das große Figurenensemble und die Schauplatzwechsel sorgt Pellerin für viel Abwechslung und einen stets aufrechterhaltenen Spannungsbogen. Trotz des erzählerischen Anspruchs wirkt die Serie stets überschaubar und spannend.

Die Charakterisierung des Protagonisten erschließt sich indirekt – aus seinen Taten und Worten. Dazu kommen die im Bonusmaterial enthaltenen prägende Lebensstationen (Guyana, Piraten, Galeerensklave, Freiheit), die in Form von Kurzcomics und illustrierten Texten aufgerollt werden und dem Charakter Tiefe verleihen. Die Gesamtausgabe lohnt sich also auch für diejenigen, die die Serie bereits in Einzelbänden besitzen oder schon gelesen haben.

Pellerin führt einen klaren Strich, der sich am Stil seines Vorbilds André Juillard orientiert. Mit einer unnachahmlichen Vorliebe für Details erweckt er das 18. Jahrhundert und die Seefahrt zum Leben. Der zweite Band der Gesamtausgabe enthält beeindruckende Szenen von Schiffen auf hoher See. Man merkt, dass Pellerin befreundete Historiker befragt hat und gewissenhaft recherchiert hat. Dieser Umstand und die ausgefeilte Illustrationskunst (Pellerin schreibt, zeichnet und koloriert in Eigenregie!) entschuldigen auch die lange Veröffentlichungsdauer der Einzelbände (alle zwei Jahre erscheint ein neuer Band). In puncto Raumverständnis und Einstellung hat er sich zudem von Jean Giraud und dessen filmischen Verständnis inspirieren lassen, was vor allem bei den Schiffsmanövern auf hoher See zum Tragen kommt.

Klassiker des Abenteuercomics in schmuckem Gewand

Die Aufmachung der Gesamtausgabe lässt keinen Wunsch offen. Der gebundene Band wird auf Vorder- und Rückseite mit Spotlack veredelt. Die wunderschöne Ausgabe wird durch ein leicht strukturiertes, griffiges Vorsatzpapier (hier Dunkelgrün) abgerundet. L’Epervier wurde übrigens gleichnamig verfilmt, nur leider (noch) nicht ins Deutsche synchronisiert.

Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe 2 besticht weiterhin durch (inhaltliche) Vieseitigkeit, (erzählerische) Komplexität, (historische) Authentizität und (visuelle) Finesse. Kurzum: eine anspruchsvolle wie mitreißende Abenteuerserie, die seinesgleichen sucht und comicplus+ veröffentlicht sie in vollendeter Form. Es wäre mehr als begrüßenswert, wenn auch der zweite Zyklus (bisher zwei Bände) derart prachtvoll zugänglich wird. Auf der Verlagshomepage gibt es mehr Infos zur Gesamtausgabe und beim Comicvertrieb PPM gibt es Leseproben. Für mich ist L’Epervier ohnehin einer der besten Seefahrercomics.

Patrice Pellerin: Der Schrei des Falken Gesamtausgabe 1 [zuletzt gelesen #060]

gafalke1Kanonenfeuer und Fechtkunst, schnelle Schiffe und schöne Frauen! Das sind die altbekannten Zutaten für Seefahrerabenteuer. Die historisiende Abenteuerserie L’Epervier (Dupuis) von Patrice Pellerin vereint jedoch nicht nur diese altbekannten Zutaten, sondern bereichert und erneuert das Genre. Die Comicserie ist auf Deutsch in einer edlen Gesamtausgabe unter dem Titel Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe bei comicplus+ erschienen. In drei Bänden liegt der erste Zyklus der Serie vollständig vor (ursprünglich sechs Bände, ebenfalls comicplus+). Der erste Band der Gesamtausgabe enthält die ersten beiden Bände („Kermellecs Geheimnis“ und „Der Totenkopf-Felsen“) und Bonusmaterial u.a. aus dem französischen Begleitband Archives secrètes.

Klassisches Abenteuer, komplexe Erzählweise und realistische Illustrationen

Pellerin fackelt nicht lange herum, sondern geht sofort ins Eingemachte: Der Chevalier Yann de Kermeur (ehrenwehrter Kapitän der „Medusa“ mit dem Spitznamen „Der Falke“) will sich vor der bretonischen Küste mit seinem Freund (dem Grafen de Kermellec) treffen. Er findet Kermellec aber sterbend auf, aber dieser verrät ihm noch ein rätselhaftes Geheimnis. Während der wahre Mörder mit einer Tonstatue geflohen ist, wird nun Kermeur für den Mord angeklagt. Die Enkelin (Gräfin Agnès de Kermellec) verständigt den Marquis de la Motte aus Brest, um Kermeur vor Gericht zu bringen. Ihr Cousin (Hervé de Villeneuve) verhält sich indes immer merkwürdiger ihr gegenüber. Indessen lässt der Marquis (in Brest) die „Medusa“ entern und die Crew verhaften. Gelingt dem (unschuldigen) „Falken“ die Flucht? Überlebt die (loyale) Crew die Folter? Was hat es mit der (unscheinbaren) Tonpuppe auf sich? Wer ist der (maskierte) Mörder?

Ohne viel Erzähltext und mit sprudelnden Dialogen nimmt die verschachtelt erzählte Story schnell an Fahrt auf. Dank zahlreicher und wechselnder Schauplätze, parallelen Handlungsebenen und einem reichhaltigen Figurenensemble strickt Pellerin in windeseile ein fesselndes Gespinnst aus (adeliger) Intrige, (ausgefuchsten) Fluchtplänen, (anbahnender) rätselhafter Schatzsuche, (einer Prise) Romantik, (detailgetreuer) Seefahrt, (bewährter) Fecht- und Kampfkunst und (eingeschworener) Seefahrermännlichkeit. Die komplexe Narration und die historische Glaubwürdigkeit hebt L’Epervier weit über den Durchschnitt, wobei es Pellerin gelingt, alles klar und leicht wirken zu lassen – die Story ist nie überfordernd oder unübersichtlich. Einziger Makel sind die zum Teil gesteltzten Sprüche (aber wer weiß schon, wie die Menschen sich damals unterhalten haben).

Das liegt vor allem an seinem klaren Strich, der sich am Stil seines Vorbilds André Juillard orientiert. Ohne Schraffuren, aber mit einer unnachahmlichen Detailverliebtheit, erweckt er die vergangene Epoche zum Leben. Der erste Band der Gesamtausgabe enthält stellenweise atemberaubende Szenen von Schiffen, Schiffswerften und Fachwerkhäusern. Man merkt, dass Pellerin befreundete Historiker befragt hat und gewissenhaft recherchiert hat. Dieser Umstand und die ausgefeilte Illustrationskunst (Pellerin schreibt, zeichnet und koloriert in Eigenregie!) entschuldigen auch die lange Veröffentlichungsdauer der Einzelbände (alle zwei Jahre erscheint ein neuer Band). In puncto Raumverständnis und Einstellung hat er sich zudem von Jean Giraud und dessen filmischen Verständnis inspirieren lassen.

Klassiker des Abenteuercomics in vollendeter Form

Die Aufmachung der Gesamtausgabe lässt keinen Wunsch offen. Der gebundene Band wird auf Vorder- und Rückseite mit Spotlack veredelt. Die wunderschöne Ausgabe wird durch ein leicht strukturiertes, griffiges Vorsatzpapier (hier Dunkelgrün) abgerundet. Dazu enthält der Band als Bonusmaterial Hintergrundinformationen zur Serie und zum Autor sowie einen exklusiven dreiseitigen Comic über die Familie Kermeur. Die Gesamtausgabe lohnt sich also auch für diejenigen, die die Serie bereits in Einzelbänden besitzen oder schon gelesen haben. L’Epervier wurde übrigens gleichnamig verfilmt, nur leider (noch) nicht ins Deutsche synchronisiert.

Der Schrei des Falken – Gesamtausgabe 1 beginnt (inhaltlich) vieseitig, (erzählerisch) komplex, (historisch) authentisch und (zeichnerisch) eindrucksvoll. Kurzum: Pellerin liefert uns eine anspruchsvolle wie mitreißende Abenteuerserie, die seinesgleichen sucht und comicplus+ veröffentlicht sie in schmuckem Gewand. Es wäre mehr als wünschenswert, wenn auch der zweite Zyklus (bisher zwei Bände) derart prachtvoll zugänglich wird. Auf der Verlagshomepage gibt es mehr Infos zur Gesamtausgabe und beim Comicvertrieb PPM gibt es Leseproben. Für mich ist L’Epervier ohnehin einer der besten Seefahrercomics.

Didier Convard: Das geheime Dreieck – Gesamtausgabe 7 [zuletzt gelesen #059]

Krimis sind imm650-308130-20141202084312er wieder faszinierend. Und esoterische Krimis erfreuen sich (nicht erst) seit Dan Brown größter Beliebtheit. Freimaurer, Geheimkulte, ganz klar, das passt hervorragend zum Krimi. Le Triangle Secret (dt. Das geheime Dreieck) ist eine solche esoterische Krimiserie und sie stammt aus der Feder des Comicszenaristen Didier Convard, der dazu mit wechselnden Zeichnern zusammengearbeitet hat. Was ist noch so besonders an der Serie? Die Handlung des Krimis ist eigentlich in der Gegenwart angesiedelt, aber durch Rückblicke in die Geschichte gibt es immer wieder längere Passagen, die in verschiedenen Epochen der Menschheitsgeschichte spielen. Außerdem gibt noch zwei weitere unschlagbare Komponenten. Die eine ist die Vorstellung, dass der Vatikan eine eigene militante Untergrundschwadron unterhält, um seine Ziele mit Gewalt durchzusetzen. Die zweite ist die Thematisierung der Unsterblichkeit, die universell erscheint und eng an Jesus Christus geknüpft wurde.

Überblick über die Serie oder: Was ist bisher passiert?

Der erste Zyklus ist seinerzeit beim ehemaligen Ehapa Verlag erschienen und längst vergriffen. Hier geht es um die „Erste Loge“, die sich als Traditionsahnen von Jesus Christius sehen, aber nicht in religiöser, sondern in wissenschaftlicher Hinsicht. Sie suchen das fünfte Evangelion, das „Narrentestament“, das von einer Verwechslung beim Tode Christi handelt. Gegner sind die „Hüter des Blutes“, die das kirchliche Dogma (Jesus starb am Kreuz und ist wiederauferstanden) mit Gewalt verteidigt.

Ab dem zweiten Zyklus hat comicplus+ das Ruder übernommen. Hier geht es weiterhin um den Kampf zwischen den Parteien. Ein Ritualmörder hackt seinen Opfer die rechte Hand ab und markiert deren Stirne mit einer fünf, die auf die Ritter verweisen, die das Grab von Christi Bruder Thomas gefunden haben. Der zweite Zyklus markiert den Höhepunkt der Serie. Gerade die historischen Episoden sind genial.

Dritter Zyklus „Die Hüter des Blutes“

Mit Le Triangle Secret L’intégrale (dt. Das geheime Dreieck – Gesamtausgabe) liegt nun eine neunbändige edle Gesamtausgabe vor, die auf Deutsch ebenfalls bei comicplus+ erscheint und die Serie in edler Form zugänglich macht. Band 7 der Gesamtausgabe enthält die ersten beiden Einzelbände des dritten Zyklus „Les Gardiens du Sang“ (dt. „Die Hüter des Blutes“), der zeitlich vor den Ereignissen der ersten beiden Zyklen spielt. Von daher kann man den Zyklus im Prinzip ohne Vorkenntnisse bzw. vor den anderen beiden Zyklen lesen, aber davon würde ich trotzdem abraten.

Hier steht Professor Jean Nomane im Fokus, der überraschend nach drei Jahren wieder bei seiner ehemaligen Freundin auftaucht und wegen Mordes an Kardinal Mottelli gesucht wird. Nach und nach wird jedoch klar, dass es eine geschickt eingefädelte Intrige der „Hüter des Blutes“ war, die ihn zum Verdächtigen gemacht hat. Währenddessen forscht eine geheime vatikanische Forschungsgruppe in Kooperation mit einem Schweizer Konzern an einer Essenz für die Unsterblichkeit.

Dialogreich und detailliert

Convard erzählt seine Geschichte hauptsächlich mit dialogreichen Sequenzen. Dadurch werden wir als Leser unmittelbar in das Geschehen hineingeworfen und erfahren nach und nach mehr von den Verstrickungen und Drahtziehern im Hintergrund. Andererseits ist es auch ein erklärungswütiger Erzählstil, man muss viel lesen, was nicht heißt, dass nichts passiert. Im Gegenteil, die Schauplätze ändern sich oft und es passiert viel. Es gibt ein großes Figurenensemble, bei dem man den Überblick bewahren muss. Dennoch macht das alles sehr viel Spaß. Es ist nur kein Comic, den man nebenher oder zwischendurch konsumiert, sondern einer, der die volle Aufmerksamkeit erfordert.

Im Allgemeinen erzählt Convard sehr ruhig, klassisch und spröde, was ich nicht negativ, sondern positiv auslege. Im dritten Zyklus hat er sich jedoch herausgenommen eine Idee drastischer zu werden, was jedoch immer noch im Rahmen bleibt. Denis Falque zeichnet die Gegenwartsepisoden. Er führt einen detailliert-realistischen Strich mit leicht individueller Note, wodurch alles schön übersichtlich bleibt, aber auch reizvoll erscheint. Die Pariser Stadtszenen wirken sehr realistisch und die Figuren haben einen individuellen Stil.

Die historischen Rückblicke werden von wechselnden Zeichnern übernommen und führen uns diesmal zu Cagliostro, der hier als Universalgenie und geistiger Bruder von Christus inszeniert wird. Die ersten historischen Abschnitt hat Patrick Jusseaume gezeichnet, der einen reduzierten Strich plegt, der im Vergleich mit den anderen Zeichnern unspektakulärer und stilisierter wirkt. Den zweiten hat André Juillard (der Meister höchstselbst!) übernommen, der bislang auch schon die Cover illustriert hat und für seinen unnachahmlichen klaren Stil bekannt ist. Während Convard den ersten Rückblick mit Dialogen und Nomane als Erzähler ausstattet, wird der zweite Rückblick ausschließlich von Nomane erzählt. In Voice-Over-Passagen berichtet er von Cagliostros Abenteuer in Ägypten, wobei die Szenen systematisch in seitenbreiten, filmischen Panels angelegt sind. Dadurch wirkt diese Passage schematischer als die erste, die in abwechslungsreichen Panelstrukturen angelegt ist.

Guter Inhalt und schöne Aufmachung

Der siebte Band von Le Triangle Secret L’intégrale verspricht spannende Krimikost, wobei der dritte Zyklus nicht an die herausragende Qualität des zweiten Zyklus anknüpfen kann. Vor allem die historischen Rückblicke waren im zweiten Zyklus beeindruckender. Convard liebäugelt außerdem mit dem Heldenkino, wenn immer wieder Anspielungen auf jenes ausgeprochen werden und es gibt einen stilisierten Vollstrecker. Dennoch wissen auch diese beiden Abenteuer zu fesseln und enthalten einen interessanten Hauptcharakter. Wer nicht genug bekommt vom Le Triangle Secret-Universum, sollte unbedingt zugreifen. Für Schmalspurleser reichen sicherlich auch die ersten beiden Zyklen.

Die Gesamtausgabe erscheint in gebundenen Bänden mit Spotlack und enthält insgesamt neben den drei Zyklen („Das geheime Dreieck“, „I.N.R.I.“ und „Die Hüter des Blutes“) die ersten beiden Bände des Spin-Offs „Hertz“. Jeder Band der Gesamtausgabe ist jeweils auf 1.000 Exemplare limitiert und enthält Bonusmaterial. Diesmal eine bewertende Einordnung des dritten Zyklus, eine Skizze von Jusseaume, eine Studie von Juillard und eine Infobox über Cagliostro. Die wunderschöne Aufmachung wird durch ein leicht strukturiertes Vorsatzpapier (hier Gelb) abgerundet. Beim Verlag gibt es mehr Infos zur Gesamtausgabe und beim Comicvertrieb PPM gibt es (eine) Leseprobe(n).

Sebastiano & Lorenzo Toma: Der Himmel über Berlin [zuletzt gelesen #058]

u1_mykPoetisch. Meditativ. Innovativ. Ohne jeden Zweifel ganz großes Autoren-/Kunstkino. Einer jener Filme, für die man die passende Stimmung mitbringen muss, aber für die Ewigkeit gedreht. Ja, Wim Wenders‘ Der Himmel über Berlin (1987) ist eines jener Filmgedichte, wie sie nur wenige Regisseure vollbringen. Andrej Tarkowski oder Terrence Malick sind solche Filmpoeten, die das Kino als sequentielle Verquickung aus Fotografie und Literatur interpretieren. Solche Filmregisseure stehen für anspruchsvolle Werke, die für eine assoziierende Bildsprache und Erzählweise stehen, wobei die Gedanken- und Gefühlsewelt der Protagonisten im Vordergrund steht und die Handlung vernachlässigt wird. Dadurch gelingen diesen Filmemachern tiefgehene Arbeiten, die zum (Mit-)Denken bewegen, grundlegende Fragen des Lebens behandeln und hypnotische Bilder enthalten. Das alles vermag eben auch Der Himmel über Berlin. Und nun haben Sebastiano & Lorenzo Toma diesen Film als Graphic Novel neu interpretiert.

Meisterwerk des Kinos im neuen Gewand

Die phantastische Geschichte dreht sich um die beiden Engel Damiel und Cassiel, die als schweigende Wächter die Menschen im Alltag begleiten. Sie hören ihre Gedanken und Gefühle, ohne eingreifen oder Trost spenden zu können. Damiel verliebt sich in die Trapezartistin Marion und hadert damit, selbst Mensch zu werden. Ein auktorialer Erzähler führt uns die Geschichte ein, nur um sich allsbald zu verabschieden und uns allein mit den Gedanken der Protagonisten und Menschen zu lassen, denen die Engel unmittelbar in der U-Bahn, auf der Straße oder in Wohnungen begegnen. Dazwischen tauschen sich die Engel in Dialogen aus und auch Lieder und kurze wiederkehrende Gedichtpassagen sorgen für eine abwechslungsreiche Erzählweise.

Zum 70. Geburtstag von Wim Wenders hat Jacoby & Stuart deren freie Graphic-Novel-Interpretation von Der Himmel über Berlin  veröffentlicht. Eine (wohltuende) Neuinterpretation der Toma-Brüder stellt die Verlagerung des Settings in das Berlin der Gegenwart dar. Dadurch ergeben sich zwangsläufit weitere künstlerische Freiräume, da sich seit den 1980er Jahren vieles verändert hat. So gibt es beispielsweise ein Szene am Holocaust-Mahnmal. Und auch sonst übertragen die Toma-Brüder nicht alle Szenen eins-zu-eins in ihre Graphic Novel, was ihrem Werk Originalität verleiht und von der Vorlage erfrischend abhebt.

Momentaufnahmen für die Ewigkeit

Streng genommen handelt es sich bei Der Himmel über Berlin der Toma-Brüder um keinen Comic. Es gibt keine Panels und keine Panelabfolgen, also auch keine Sequenzen. Die dargestellten Szenen nehmen oft eine ganze Seite ein. Manchmal überlagern sich Szenen oder Szenenmotive blendenartig, aber in der Regel arbeiten die Toma-Brüder mit starren Momentaufnahmen, die sich Kunstgemälden ähnlich tief einprägen, jedoch auf der anderen Hand kein dynamisches Potential bergen. Die Szenen wechseln zwar stets die Schauplätze, aber eine richtige sequentielle Abfolge ist nicht in Reinform vorhanden. Das schmälert den Lesegenuss jedoch nicht, da es sich um eine surreale Geschichte mit Tiefgang handelt.

Dazu enthält die Graphic Novel keine Sprech- und Gedankenblasen. Der Text wird frei in den ohnehin flächigen und leeren Hintergrund gesetzt, was die Strenge zusätzlich betont und ein weiteres Indiz für eine comicunübliche Form ist und die Notwendigkeit des Begriffs „Graphic Novel“ ausnahmseise einmal erforderlich macht (doch das müsste ausführlicher besprochen werden). Davon abgesehen variiert das Lettering zwischen dem auktorialen Erzähler und den Gedanken und Dialogen.

Hypnotischer Stream of Conscousness

Sebastiano Toma ist eigentlich Regisseur und Produzent am Theater, hält seine Projekte stets aber auch zeichnerisch fest. Lorenzo Toma studiert Design. Deshalb sind sie dem Medium „Comic“ nicht so nahe, aber auch darum enthält Der Himmel über Berlin ein rundum stil- und kunstvolles Artwork, das sich aus einem realistischen Strich und einer stilisierten Farbgebung zusammensetzt. Die Szenen wirken beinahe fotorealistisch, was durch die Kolorierung ins Surreale verschoben wird: Die beinahe monochromen Bilder liegen oft auf einem pechschwarzen Hintergrund, wobei ein harter Schwarzweißkontrast durch feine Schraffuren und nuancierte Grauabstufungen verhinderter wird. Dazu sorgen die Toma-Brüder stellenweise mit dezenten Brauntönen für stilvolle Akzente. Teilweise erinnert die Technik auch an den Linolschnitt, wenn leuchtende Furchen das Dunkelschwarz bündelartig und filigran durchzucken.

Die Autoren von Der Himmel über Berlin machen nicht den Fehler und liefern eine uninspirierte oder lediglilch ästhetisch aufgehübschte Version von Wenders‘ Filmklassiker. Nein, sie fügen dem Original inhaltlich und ästhetisch neue Facetten hinzu, weshalb die Neuinterpretation legitim und sinnvoll erscheint. Es macht Spaß die Engel (erneut) zu begleiten, wobei eine vorhergehende Sichtung des Films nicht notwendig ist. Die Graphic Novel steht für sich und zeigt, dass Literatur auch abseits von Literatur stattfindet. Mehr Infos gibt es auf der Verlagsseite.